【Creator's File】『サークル・オブ・ドーナツ』 細木 敏和監督 インタビュー

映像クリエイターとショートフィルムの繋がりを様々な角度から深掘りする「クリエイターズファイル」。
今回ご紹介するのは、BSSTOで配信中の『サークル・オブ・ドーナツ』の細木敏和監督。

映画祭と連動する、クリエイターのためのプラットフォームLIFE LOG BOX*に作品登録をいただいたことから配信が決定。 作品制作の背景や撮影時のエピソードとともに、クリエイターとしてLIFE LOG BOXをどのように活用できるかをインタビューしました。

*LIFE LOG BOXとは
ショートショート フィムフェスティバル & アジア、そして株式会社ビジュアルボイスが2023年にローンチした、永続的に保存可能なデータストレージや、ポートフォリオの機能を備えたクリエイターのためのプラットフォーム。
新しい仕事やマーケットプレイスでの収益獲得を目指し、コンテンツやクリエイターの価値を最大化するサービス。

＜監督インタビュー＞

LIFE LOG BOXへのエントリーが今回の配信に繋がりましたが、最初にこのプラットフォームを知った時の第一印象を聞かせてください。
シンプルに好奇心が湧きました。ショートフィルムに特化していて、しかも国際的な動線も見えていたので、「エントリーしたら作品の届き方に何か変化があるかもしれない」と思いました。

作品が「一過性のもの」ではなく、安全に永久保存され、世界中のマーケットと繋がり続ける。この「安心感」と「可能性」は、細木監督の創作活動にどのような変化をもたらすと思いますか？
僕自身、「一過性のもの」として終わらせたくないというスタンスで、映画作りに向き合っています。できるだけ何年先でも観てもらえるような作品を残したい。

とはいえショートフィルムは、時間が経つほど観客や関係者に届きにくいのが現実です。限られた体制で動くことも多いので、配給や広報に十分な時間と予算をなかなか割けません。なので、国内外問わず長期的に「発見される」環境は心強いです。

公開後しばらく経っても作品が見つかりやすくなれば、新しい上映や配信につながるきっかけも増えていくはずです。もちろん公開するだけならYouTubeでもできますが、映画を探している配給会社や映画祭のプログラマー、上映企画者が検索しに来る場所に作品情報ごとアーカイブされることには、別の強度があると思います。

「こんな機能があれば、もっとクリエイターの日常が豊かになる」と期待するアイデアがあればぜひ聞かせてください。
個人的には、海外で制作することも増えてきたので、英語と日本語だけでなく、スペイン語やフランス語、韓国語、中国語など多言語にも対応できる機能があると嬉しいです。

本作品を作ろうと思ったきっかけは何でしたか？
ドーナツ店やそこに集う人々との出会いの中で、カメラを回そうと決意した「決定的な瞬間」はいつでしたか？

本作を通じて、観客の心にどのような「読後感」を残したいと考えましたか？
ボブズで出会う人たちとドーナツを食べながら、自然と「いい感じ」になっていく。あの場所の手触りを、観た人にも追体験してもらえたらと思っていました。そこにアヤさんが歩んできた道のりが重なることで、「場所が人に与える力」みたいなものが、より深く届くんじゃないかなと。言葉で説明できる読後感というより、残したいのは感覚そのものでした。

海外の映画祭でも上映されましたが、現地の観客が作品を通じて感じ取ったリアクションで、特に意外だったことや嬉しかったことはありますか？
特にアメリカの観客は、上映後に制作者と交流したい人が多くて、その時間がいつも刺激的です。サンフランシスコ近郊で開催されたミルバレー映画祭では、「思い出の場所を映画として残してくれてありがとう」など、たくさんの方から温かい言葉をいただきました。感謝されるために映画を作ったわけではなかったので、正直これは予想外でしたが、素直に嬉しかったです。

それから、地元メディアSFGATEでも「深夜のサンフランシスコのドーナツ店、映画で不朽の存在に」という見出しで取り上げていただき、地元の方にも作品が届いていることを実感しました。あの店がコミュニティにとってどれほど特別な場所なのかも、改めて感じました。

ドキュメンタリーだからこそ起きた、台本のない「奇跡のようなエピソード」があれば教えてください。

今回、BSSTOでは「食」をテーマにした特集を組んでいます。
揚げたての香りや質感まで伝わるような映像が印象的です。ドーナツを「食」の題材として撮る中で、その造形や存在感に惹かれた点は？題材として魅力的だった点や、逆に難しかった点はありますか？

ドーナツの造形や存在感に、移民国家であるアメリカの縮図みたいなものを感じたのが、いちばん惹かれた点でした。ショーケースのさまざまなドーナツを眺めていると、サンフランシスコの街に集まる人たちと重なって見える瞬間があるんです。多様性という言葉だけでは言い切れない感覚です。

今のアメリカの多様性は「みんなで溶け合う」よりも、それぞれの個性を保ったまま共存する状態に近いと思います。もちろんそれは尊重のかたちでもある一方で、ひとつの輪になって溶け合うような体験は、日常の中では起きにくい。そのぶん、他者と距離をとるような空気が強まることもあります。個人的には、この変化を切実に受け止めています。

それでもボブズでは、ドーナツを前に、世代や肌の色、価値観、社会的立場の違いを超えて、ふっと距離が近づく。そんな瞬間が確かにありました。『サークル・オブ・ドーナツ』では、その刹那の輪を音楽のような流れとして、映画の中で再現できるか試みました。

難しかったのは、短い尺の中で「店」「お客さん」「アヤさん」それぞれの物語を、星座のように結び合わせることでした。偶然起こる一瞬一瞬を拾い集めて、ひとつの流れにする。そこがいちばんチャレンジングでした。

長編にはない、ショートフィルムだからこそ表現できる「自由さ」や「美学」とは何でしょうか。
例えば、デビッド・フィンチャー製作総指揮のNetflixオリジナル短編アニメ・アンソロジー『ラブ、デス&ロボット』（2019年〜）に最近ハマっているんですが、短い尺の中で作家の世界観が前面に出て、長編では成立しづらい社会風刺から文学的SFまで、尖った表現でもきちんと映画として届くんです。

細木監督がこれまで観た映画の中で、思わずお腹が空いたり、食卓を囲みたくなったりするような「忘れられない食のシーン」はありますか？
僕の場合、観ていて切実に「食」と向き合っている映画に強く惹かれます。そういう意味で、片渕須直監督のアニメーション映画『この世界の片隅に』（2016年）の食卓のシーンは、忘れがたいです。戦況が悪化して食糧が不足する中でも、庶民の生活は続いていく。そんな日々を、家族の「食」を軸に驚くほど淡々と描いています。

今に至るまでの道のりの中で、細木監督の視点を形作った「運命的な作品や監督」との出会いについて、影響を受けた監督や作品はありますか？何がきっかけで監督になろうと考えましたか？

何十ページもリストができそうなくらい、たくさんあります（笑）。ただ、繰り返し観て自分の中に残り続けているのは、テレンス・マリック監督の『シン・レッド・ライン』（1998年）と、ポール・トーマス・アンダーソン監督の『マグノリア』（1999年）かもしれません。

10年後、ショートフィルムは私たちの生活にどのように溶け込んでいると思いますか？監督自身のこれからの挑戦と共にお聞かせください。
今より身近になると思います。移動中にバーチャル・スクリーンで1本観る、みたいに、日常の隙間にもっと入り込むかもしれません。ただ、そのぶん作品は今以上にアルゴリズムに埋もれたり、消費されるスピードも一気に加速すると思います。だからこそ、映画祭のプログラマーや上映企画者、配信プラットフォームの編成担当、ブランド企業のプロデューサー、あるいは批評家など、観客と作品の間に立ってキュレーションする人の価値が、さらに大きくなる気がします。

僕自身は、ショートフィルムも作りつつ、長編にチャレンジしたいと思っています。今年は、アメリカで制作した『犬男』（原題：The Dog Guy）も公開予定です。『サークル・オブ・ドーナツ』と同じくサンフランシスコを舞台にした短編ドキュメンタリーです。
そのほかにも国内外でドキュメンタリー企画がいくつか動いていて、長編フィクションの脚本も進めています。